Gauguin en esta obra utiliza el método barroco, que a buen seguro conocía por las obras del Louvre, de utilizar la figura de la mujer o la muchacha como alegoría de un estado abstracto, en este caso la vida y la muerte. Pero su modo de concebir la composición es totalmente novedoso y no tiene nada que ver con la tradición pictórica.

   Las dos mujeres están en un mismo espacio pero a la vez se pueden adivinar dos esferas de realidad distintas, como en Visión después del sermón, 1888. En primer lugar la perspectiva con la que pinta a cada una de las alegorías es totalmente distinta; si lo que supongo es la muerte está en visión central e incluso puede que un poco en soto in su, la muchacha que representa la vida está pintada desde arriba, con una visión muy inclinada y recortada por las rodillas. El color que utiliza no es plano, excepto para algunas zonas como el pelo de la vida y el fondo verde, sin embargo la gama cromática tampoco es muy extensa. A parte de la perspectiva hay otro elemento que nos lleva a pensar en dos espacios distintos; una franja negra recorre el lienzo en diagonal y separa los fondos: uno podría ser una playa y un mar y el otro un campo verde. En medio, la muerte que simboliza la franja negra.

   Que cada una de las alegorías tenga un color de piel responde a una relación simbólica. La vida aún mantiene el color de la carne, ese amarillo rosáceo; mientras, la muerte ha perdido ese rasgo de humanidad y su piel es grisácea y oscura. Ambas están en el mismo plano pero parte de la muchacha que simboliza la muerte está en esa otra parte de fondo verdoso que está separada por la franja negra; la vida, que muestra su cuerpo sin ningún tipo de pudor, lleva un trapo, con el que quizá en otro tiempo se hubiese tapado las partes pudientes (supone una ruptura con la tradición artística), del color de la muerte por lo inherente de la una con la otra. En la vida hay parte de muerte y ésta, tras la chica pelirroja, parece que se lamenta y esconde su cuerpo tras los brazos y las piernas; la vergüenza de la mujer de color grisáceo contrasta con ese lamento que parece un desvarío de simplicidad y pasotismo ante la vida.

   El dibujo contiene el color y la forma, sin embargo es la muerte la que parece más moldeada y proporcionada, la vida es plana y se define por una línea que deforma el cuerpo humano. Para Gauguin, probablemente la vida fuese ese camino sinuoso que hay que seguir, que se mancha de muerte y que siente la misma vergüenza que la muerte, ya que agacha la cabeza en un ademán parecido al de la muerte que se cubre el cuerpo con sus miembros. Además la vida se corta por las rodillas, no aparece de cuerpo entero como la otra alegoría. Esta otra, tiene un cuerpo más perfecto, más humano (excepto por el color, claro), e incluso su cara parece más bella, siguiendo los cánones clásicos, que la que se atisba bajo el gesto de la mujer en primer plano. La muerte es el lamento de la vida y por eso bosteza esperando a que llegue su hora en la que atravesar esa franja de humo negro que se expande a su espalda; si hay algo seguro en la vida es la muerte.

   Volviendo al tema de los planos y la perspectiva es difícil saber cual es la posición de la alegoría de la muerte, pero parece que está tras la otra chica y tal vez por encima de ella en una playa o algo parecido; el fondo es un poco abstracto, o más que esto diría que indefinido. Una muerte inminente se esconde y espera tras la vida que, cansada y perezosa se restriega el trapo empapado de muerte por el cuerpo.

   Gauguin estaba a punto de comenzar su viaje salvaje hacia lo primitivo huyendo del mundanal ruido para llegar a lo incontaminado; este cuadro puede ser una evocación al camino de la vida que ya desde el principio se contamina (por eso el trapo de la mujer que simboliza la vida es del mismo color que la otra muchacha) y se llena de ponzoña hasta completarse este ciclo y llegar al momento final de la muerte que espera su momento impaciente.